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Kate Moss与 Dazed Media 创始人兼 CEO Jefferson Hack 的女儿 Lila Moss,演绎的英国版《Dazed》2018秋冬刊封面已于近日正式发布。

而执掌这次大片的,是传奇摄影师 Tim Walker。

Tim Walker,被称为摄影界「讲故事的人」,同时他也是把故事性带入时尚大片的人。

也有人说 Tim Walker 是个「造梦大师」,他用摄影为我们创造了一个又一个美梦。

Tim 1970年出生于英国,1994年毕业于牛津大学 Exeter Art College 艺术学院摄影专业。1995年,25岁的 Tim Walker 为《VOGUE》拍了第一组照片,从此便开始了他的时尚摄影之路。

Tim早期的作品偏向于唯美柔和的梦幻古典主义,比如2008年他为意大利版《VOGUE》拍摄的这组「A Magic World」。

Tim的作品一直都富含着天马行空的想象力、大胆奇幻的布景与造型,而且作品题材也十分多元化。

他的摄影风格也并非一尘不变,2008年时就连Tim自己都说:“我觉得我的风格越来越黑暗了。”

今年 Tim 又爱上了鱼眼视角,这个月就在《Another Man》发布了一组名为「Push the Sky Away」的大片。

还有 Tim 为很多知名设计师拍的肖像作品,也非常有辨识度。

即使只是一面白墙+一张白桌子,Tim也总能通过对人物的刻画,体现出设计师本人鲜明的个人特点。

Tim亲自解释过他关于「造梦者」的设定,他说:“这些作品就是梦境的延续,幻想的现实。我认为,这些照片对观者而言就像一个窗口,任何人,都是这个幻想中的一部分。

我作为创造者,这是询问他们,邀请他们,进入这个世界。无论这梦境或是阴郁的黑暗情绪,还是一个美丽的童话,这都是人们逃避现实的方式。”

Tim Walker说:“我们都曾被别人拍摄的照片感动到,也希望我们能用照片感动别人。而时尚是唯一的一个允许幻想摄影的地方,我就是一个幻想家。”

时尚就是一个海纳百川的世界,而优秀的时尚摄影师还有很多。

Chanel去年曾发布过一个叫做「Gallery」的高级珠宝系列,而这组片子在最初获得的评价却都是不知所云的——“这是啥?”

因为除了能看清模特是 Keira Knightley 外,整组片都是模糊不清的。

虽然还是有人恪守陈规地认为,拍珠宝就必须凸显出珠宝的细节之美;但也有人认为,这位摄影师让珠宝的美凌驾在了原材料之上,这种美反而更加深刻与透彻。

而这组片的掌镜者,是在时尚摄影界有教母般声望和地位的Sarah Moon。

Sarah Moon 1940年在法国出生,1960年开始在伦敦、巴黎等地担任模特,1968年开始涉足时尚、与艺术摄影,并凭借作品集「Modinsolite Exhibition of Avant-Garde Fashion Photography」一举成名。

Sarah说:“我当了4年的模特,可我干了40年的摄影。”

Sarah今年已经78岁了,定居在法国巴黎,并仍然活跃在摄影片场。

Sarah是高度近视,但从不戴眼镜。当有人说她的照片都是虚焦的,她便会回应,因为那的确是她眼中事物的模样。

同时她也认为,近视有助于她更好地感知光和各种形状之间的关系。

同时 Sarah 还有焦虑症倾向。她害怕无法捕捉美,因此她选择不停地移动,不停地发现,不停地按她特长的快门,所以照片才会虚化。

对此也有人说 Sarah 喜欢一直等,等到模特全都疲倦了她才会开始拍照。而Sarah 自己解释说,那样做是为了等待一个“意外的瞬间”发生,别的摄影师试图捕捉“真实”,而她只想捕捉自己的幻想。

Sarah和山本耀司合作过很多次,两人有一个共同点,就是都很喜欢背影。Sarah说:“有时候,一个背影就能说出一个故事。”而 Sarah 就是一个非常喜欢用摄影讲故事的人。

Sarah曾这么解释她的拍摄理念,她说:“我总认为摄影给场景提供了一个通过图像来讲述故事的机会。我要创造的图像以我选择的元素来叙述我的故事,而不仅仅是记录着穿着特别礼服的女士的一个文献。”

作为一名女性摄影师,Sarah的作品并不是千篇一律的性感女星,反而更强调女性神秘、梦幻、朦胧和柔软的一面。线条优美的背影或侧身,半遮的面颊或低垂的眉眼都是 Sarah 最爱的拍摄对象。

Sarah还是黑白的拥趸者。她说:“如果不是为了拍摄商业片,我大概永远都不会拍摄彩照。因为我看到的世界就是黑白的。”

Sarah并不真正喜欢色彩,她觉得对色彩大作一番手脚后才能使他们为她所用,而摄影的本质就该是黑白的。

因此对于彩色的照片,Sarah会通过增加颗粒的方式去缓和色彩的冲击力,降低它的存在感,以呈现事物本身的真实模样。

正是 Sarah 这种独一无二的风格,不仅让她得了很多摄影奖,连她的主题电影也在各个国家尤其是日本受到了诸多好评,出版的书籍亦广受赞誉, 甚至1986-1989年,她一口气蝉联三届戛纳国际节的金狮奖。

而 Sarah 真正的特别之处,在于她改变了人们对摄影作品一贯的评判标准。她的作品中无论是人物还是动物都以着朦胧的形象浮现,像一个无法追寻的景象。

Sarah拍的张曼玉

Sarah用拖曳而出的模糊感和柔美怀旧的光影,黑白和拖曳镜头的摄影语言,让照片中的色彩变得暗淡而神秘,从而形成另一种绘画班的美感,因此有人说她是用摄影来绘画的艺术家。

但 Sarah 并不喜欢自称为“艺术家”,她说:“那太傲慢了。有时候我是一名匠人,而有时候,我就是一个错误的摄影师。”

Sarah说过一句非常有意思的话:“Photography is the soul of the very moment you just saw going by.”(摄影是所有瞬间的灵魂,是你目睹的,即将逝去瞬间的灵魂。)

虽然 Sarah 的拍照模式按理说应该是完全不符合拍照规则的,但时尚圈就是热衷于打破规则。

另一对打破规则,时尚摄影风格独树一帜的,是一对新晋摄影师组合Filip y Kito,由一对来自西班牙的好朋友 Filip Custic 和 Kito Munoz 组成。他们都在时尚圈工作,Filip Custic还曾为 Maison Margiela 走过秀。

2015年才正式出道的 Filip y Kito 两人非常年轻,但已经与多个当红的时尚品牌合作过,比如Gucci、Comme des Garcons、Raf Simon、Acne Studios、Xander Zhou 和 Gosha Rubchinskiy 等等。

在 Filip y Kito 的作品里,我们经常看到年轻貌美的模特身着华丽时髦的服装,肢体总是有些僵硬和古怪,他们稚气未脱,但眼神中却充满着故事,从而衍生一种不协调的美感。

他们的作品里充斥着80年代电影的复古色调和无性别主义的独特美学,并将不成比例的服装廓形、戏剧化的道具与古典构图或旧感色彩相结合。

同时他们还尤其擅长将古典画作和超现实元素运用进摄影中,从而体现出一种独特而又过目难忘的美感。

当然也传递着两人荒诞但又奇妙的幽默感和天马行空的创意。

虽然去年曾有人说两人已经分手,并开始分别创作,不过两人偶尔还是会以 Filip y Kito 的名义共同创作,而他们留下的这些作品,也仍然是时尚摄影的瑰宝。

时尚圈还有一位不得不提的拥有天马行空想象力的摄影师,Can Dagarslani。

他的知名度是,也许你不眼熟他的名,但你也一定眼熟他的片。

这组照片是 Can Dagarslani 与 Ader Error 的第二次合作,命题为「Serenity」。

他把寂静的几何建筑、活泼的饱和色彩以及老人的生动形象交织在一起,呈现出一种毫不违和的青春感。

这组照片也凸显出了 Can Dagarslani 的拍照特点:喜欢拍双人,喜欢与建筑联系并糅合,从而呈现出一种强烈的对称感和协调感。

他第一次为 Ader Error 拍摄的情侣系列「Inside Out」亦是如此。

还有他早期于2014年拍摄的姐妹花系列「Identities」。

Can Dagarslani来自土耳其,毕业于伊斯坦布尔 Mimar Sinan 大学。

建筑学出身,造就了他非常擅长运用空间来营造画面的整体氛围,而不论是人与人,还是人与物之间的相对关系,全都被他处理得恰当且和谐。

同时他也非常擅长以自我对世界的独特认知和观点,融合现代建筑和复古风格,去建立城市与人类身份的联系。

Can认为眼睛是最重要的,用来观察世界的工具。

他总是以暗喻的风格来进行摄影创作,透过色彩与自然光源的掌控,来呈现内心想要讲述的故事。

除了这些以鲜明的个人特色或天马行空的荒诞创意取胜的摄影师,近几年还有一类摄影师在时尚圈势头非常猛烈,就是胶片摄影师。

奥山由之,则是其中炙手可热的一位。

奥山由之从小就爱摄影, 总有人说“怀才不遇”,但奥山由之却完全不一样,他最开始的工作,全部都是毛遂自荐获得的。

比如为日本潮牌 ANREALAGE 拍摄的大片,还有当年引起话题度的 Kururi 乐队的十周年大典《坩锅的电压》的封面写真和幕后纪录,全都是奥山由之本人亲自去争取的。

奥山由之的作品总是活泼明亮的,因此也被人称为「年轻的力量」。

到现在,从adidas、宝矿力等年轻品牌,到Lumine、LOFT 和 Parco 等知名百货,奥山由之全都交出了不俗的作品,并在二十岁时就获得了被称为“写真集登龙门”的新世纪写真大奖。

更不用说你在日本随便一家书店拿起一本时尚文化杂志,不论是《Ginza》还是《Switch》的封面都可能出自他手。

虽然经常拍摄各种时尚大片,但奥山由之却不喜欢在摄影棚拍片,他更喜欢纪录片、电影这些的拍摄幕后。

他认为,事物的本质只有在这些“背面”,才能真正显现出来,而这也正是他所想要纳入镜头的东西。

奥山由之曾用时装发布会来举例,一场秀的时长是固定的,而且通常并不长,但筹备它的时间和心力却需要花上半年,甚至更久。

所以比起秀上已经是完成形态的美,筹备期间那种带着痛苦煎熬的状态才是他想要表达的东西。

奥山由之对于胶卷相机的热爱,用他自己的话说:“若有哪天没有按胶卷快门,会觉得浑身不舒服。”

而被问及为何要使用胶卷而非数码相机时,他说最大的理由是拍摄照片时残留在胶卷上的温度,能够减轻“写真”这个动作的仪式感。而经过时间洗出来的胶卷照片,反而最能贴近观看者的感受。

奥山由之说:“电影是描述点与点之间的线,而摄影则是点的表现,不让人看到太多信息,而这正是摄影的魅力所在。

我想做那个时常触碰人们心中琴弦,并将那个瞬间记录下来的人。”

还有一位当红的胶片摄影师,是韩国摄影师 Rala Choi 崔韩秀。

崔韩秀是一位利用胶片的质感和色彩的变化来表达自我的艺术家。

他的作品色彩浓烈且饱和,看似平静实则波浪暗涌。红、蓝、绿是他作品中标志性的色彩,因为他认为这些颜色代表着他自己。

崔韩秀一直坚持用最初的方式来描绘自己所感知到的世界。

他不仅经常与韩国版《VOGUE》和《ELLE》合作,也得到了意大利版《VOGUE》的垂青,还获得了 Creative Quarterly New York 27 的奖项。

同时他也曾为韩国多个明星拍摄画报,比如宋慧乔、Zion.T、泰妍等。

时尚摄影只是摄影的一个分支。

还有一些摄影师也一直都在用作品打破着规则,并树立着新式的美和引人思索的寓意。

就像 Sarah Moon 会用超长快门来赋予事物朦胧美,杉本博司则是用无限远处合焦的方式来展现他眼中世界的哲学美。

杉本博司1948年出生在东京下町的御徒町,从小接受西方油画的艺术教育,长大后在美国留学毕业,1974年移民纽约并开始摄影创作。一开始杉本博司对动物标本很感兴趣,因为发现任何虚假的食物,只要拍成照片都可能成为真实。

接着,他开始拍摄大概是他最出名的系列 Seascapes(海景)。

虽然知乎上有人说大部分的构图都是一样的,从中间分开,上百下黑,并不明白到底厉害在哪里。

海景系列最开始源于杉本博司的一次思考,「现今人们看到的一切与远古人们的一样吗?」

于是他就此展开了一组拍摄,在这个过程中他发现,千百万年来山峦和河流的变化都是巨大的,而唯一没有变化的,只有大海。

而这些看起来“千篇一律”的海景,其实代表的就是杉本博司的禅意:时间的流逝改变不了海景,我们和石器时代的人看到的是同样的海。

杉本博司走遍世界各地所拍摄的海景,是最为空灵美丽的系列。U2的专辑《消失的地平线》,也采用了海景系列中的一张作为封面。

1975年,杉本博司开始拍摄了「剧场」系列。

他带着8 X 10大型相机进入剧场内拍摄,在电影开始时按下快门,直到电影结束才停止曝光,用底片拍摄了整部电影,最后却只留下一片白。

剧场系列杉本博司拍了40年,拍摄的方式源自于他自己小时候看电影的记忆:电影放映完,荧幕就会回归空白。其中还有一张露天影院后,闪耀着几道流光溢彩的也很美。

同时这种拍摄方法实际操作起来也是非常困难的。

因为曝光的时间过长,中途只要有丝毫的光线变化或差距,就会在底片上被无限放大。

杉本博司在北京个展闭幕前的讲座上,曾有人问他为什么要用黑白灰这样极简的方式来摄影。

他回答因为他有意模仿南宋的绘画观念,同时也很像罗思科的色域绘画。色域绘画是通过色块来承载艺术家想要表达的信息,然后让观者陷入沉思的一种艺术。

而对「超长时间曝光法」这种拍摄方式,杉本自己的解释是:

“没有快门装置的人类之眼,必定只能适应长时间曝光。

从落地后第一次睁开双眼起,到临终躺在床上阖眼的那刻为止,人类眼睛的曝光时间,就只有这么一回。人类一生,就是依赖映在网膜上的倒立虚像,不断测量着自己和世界之间的距离。”

杉本博司拍摄的闪电

2001年,杉本博司获得了有「摄影界诺贝尔奖」之称的哈苏相机基金会国际摄影奖。

评奖评语说:“杉本博司是我们这个时代最令人尊重的摄影家之一,他的重要摄影题材都是对艺术、历史、科学与宗教的诠释,他将东方哲学思想与西方文化主旨完美地结合在一起。”

杉本博司通过自己对世界的理解,用摄影等艺术形式去追溯历史,探其根源,探寻时间本质,因此他还被誉为「最后的现代主义者」。

他的创作将西方史学、哲学和美学带入摄影,并极致了摄影的意义,也将摄影作品提升至艺术品层次。

杉本博司说:“我拍摄的是物的历史,我的艺术主题是时间。人类总有着「让时间停止」的根本欲望,世界因欲望而存在,摄影则因欲望得以发明。”

很多人会觉得有视觉障碍的人或是盲人当摄影师是个伪命题,Alison Bartlett则作为代表给出了有力回应。

右图是 Alison 与她的助手Jenny

Alison Bartlett是一位野生动物摄影师,同时,她也是一位盲人。

她在摄影过程中通过草木的声音的声音来观察动物,而且她的听力敏锐到可以辨别鸟儿飞翔时拍翅膀的声音和松鼠吃东西的声音。她借助这些声音来对焦,并决定按下快门的时机。

Alison是后天失明者。1979年,她患上了糖尿病开始逐渐失去视力,直到1992年完全失明。

Alison 说:“尽管我看不到画面,但是如果它们能带给别人快乐,那么也就能弥补失明带给我的痛苦。如果它可以鼓励其他的盲人继续做他们喜欢的事,那就更有价值了。”

人像摄影师 Sonia Soberats 也是一位优秀的盲人摄影师。

而 Sonia 拍摄人像的方法,是在拍摄前仔细摸一遍模特的外形,询问他们的发色、肤色等身体特征,再去构思拍摄手法,最后由助手来帮助她调整快门时间。

最后呈现出来的作品也完全不亚于平常人。

盲人摄影也被称为“非视觉摄影”。

一般都是通过自己的听觉、触觉进行测量,确定被拍摄对象的大概情况。然后,通过助手的指导确定自己的位置。最后,选择时机按下快门。

而这些成品,有时也会被制作成凸起形状的照片,或是用盲文小凸点标在图片相应的位置处,方便摄影师检查。

毕飞宇在《推拿》中曾说:“看不见是一种局限,看得见同样也是一种局限。”

而盲人摄影师就是正好用摄影告诉他人,生活和摄影的美不一定非要靠眼睛去发现。

摄影在刚发明出来时,并不被当作艺术。

因为它的初衷是「记录」,而不是「创作」,所以比起绘画、建筑等艺术,摄影常常被认为扁平且单薄。

而在互联网及社交工具迅速发展的当下,可以说“人人都是摄影师”。摄影愈来愈被人所尊重与重视,而其中拥有多元视角和个人魅力的,真的也不算少。

除了上述的摄影师们,还有把伊斯坦布尔拍出了万般色彩的 Yener Tonun。

可以用摄影构建出二维世界的Dhavebaj Anupabsthian。

用无人机拍摄盐滩的Tom Hegen……

总之,优秀的摄影师真的非常多。

最后分享杉本博司在《直到长出青苔》里写的一段话:

“我以为真正的美丽,是可以通过时间考验的东西。时间,有着压迫、不赦免任何人的腐蚀力量,以及将所有事物归还土地的意志。能够耐受这些而留存下来的形与色,才是真正的美丽。”

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本期文字助理:Zooey

作者系网易新闻·网易号“各有态度”签约作者

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